2026年8月15日，奧斯瓦爾多·維加斯（Oswaldo Vigas，1923—2014）在亞洲的首次回顧展《心外無物》於廣東美術館新館開幕。匯集47件作品及來自奧斯瓦爾多·維加斯基金會檔案庫的一手文獻，分四個階段梳理這位委內瑞拉藝術家跨越七十年的創作生涯。作為拉丁美洲現代藝術的重要人物，維加斯在中國仍鮮為人知，透過展覽觀眾得以較為完整地理解這位藝術家，從他如何吸收歐洲現代主義，進而從拉丁美洲的本土文化建立自己的視覺語言。 作者出席展覽開幕當天的研討會，會後問奧斯瓦爾多·維加斯的兒子、電影導演洛倫佐·維加斯（Lorenzo Vigas），他的父親是一個怎樣的人？ 「他心裡有一桿秤。」洛倫佐回答。 他回憶，有一次父子二人參觀藝博會，老維加斯在一個展位上發現了一幅冒充自己作品的假畫，隨即走上前，當場劃破了畫布。 在洛倫佐眼中，父親公正而堅定，始終有自己的判斷：他不追逐潮流，只做真正熱愛的事情，畫自己認為美的題材。洛倫佐所說的這桿「秤」，也為理解《心外無物》提供了入口。 | 兩棲現代性 展覽試圖回答的核心問題是：一位來自委內瑞拉的藝

一座美術館真正開始成為一座美術館，或許從來不只是建築落成的那一天。在牆面還沒有掛上作品之前，在觀眾還沒有真正走進展廳以前，有些事情其實早已開始發生：有人討論未來的展覽，有人研究另一座城市的美術館如何工作，有人想像一群孩子第一次走進展場時，會先看見什麼、摸到什麼，又會在哪一個瞬間停下來。而一座新的美術館，也在這些尚未被看見的準備裡，慢慢長出自己的樣子。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer 2026年7月，桃園市立美術館與法國龐畢度中心宣布建立七年合作夥伴關係，展覽、人才培育與兒童藝術教育，成為這段合作最重要的三條軸線。2029年，康丁斯基大型展覽也將來到桃園，成為雙方合作中最受矚目的計畫之一。當一位被寫進世界藝術史的人物即將抵達一座仍然年輕的美術館，這件事自然容易令人興奮，但比起「康丁斯基來臺」本身，桃美館館長林詠能似乎更在意另一件事：當這些作品有一天離開之後，桃美館究竟能留下什麼？ 「如果只是引進一檔展覽，我們其實不需要簽訂

1993年創辦的「法國五月」藝術節，已在香港走過三十三年。今天的香港，與藝術節初來時早已不同。M+、香港故宮文化博物館等大型文化機構相繼落成，本地博物館與法國及歐美文化機構的長期合作日益頻繁；法國文化對香港觀眾而言，也不再是遙遠而偶爾出現的風景。「把法國文化帶到香港」是否仍可以概括當初的使命？帶着這個問題，我們訪問了「法國五月」新任執行總監白莫迪（Mehdi Brit）。 白莫迪是一位藝術史學者、策展人及文化項目策劃者，他曾創辦或策劃多個項目，包括Festival Emerge、法國克羅地亞藝術節及FIAC「In Process」計劃；合作機構則包括巴黎龐比度中心、網球場國家畫廊、巴黎Silencio、路易威登文化空間、上海當代藝術博物館、北京及廈門三影堂攝影藝術中心等。他曾於2018年至2022年間擔任法國駐華文化專員，並出任「中法文化之春」（Festival Croisements）藝術總監，推動一系列中法文化合作項目。 講到雜誌與出版，他不禁比誰都雀躍。他同時參與多份文化出版：2010至2015年間，他創辦數碼文化雜誌《Revue.

「歌劇的核心永遠是音樂。莫扎特在舞台敘事上或許承襲傳統，但他將所有的天才與革新，全數傾注在了音樂之中。」—— 盧景文 雖然是歌劇，莫扎特還是莫扎特 | 專訪導演盧景文 由十六歲的莫扎特創作，講述了古羅馬君主斯拉最終放棄獨裁權力的《獨裁君主斯拉》（Lucio Silla），非凡美樂將這部難得一見的古典傑作帶到香港，將於 2026 年 9 月11日及 12 日在香港大會堂劇院上演。導演盧景文為觀眾帶來了莫札特歌劇拼圖中，極具震撼力的一塊。藝術地圖編輯部採訪了本次演出的導演盧景文教授，以及曾留學薩爾茨堡莫扎特音樂大學的年青指揮薛毅章，一同拆解這部作品背後的音樂密碼。 莫扎特一生創作了二十三部歌劇，包含十四部義大利文(兩部並未完成)、八部德文與一部少年時期拉丁文作品，盧景文教授此前已製作過六套莫扎特義大利文歌劇及一套德文歌劇。《獨裁君主斯拉》是他的第八套莫扎特義大利文作品。目前，盧景文的目標是完成全部義大利文歌劇的拼圖，若按每年一套的進度，全部完成時他將九十七歲。「完成之後，我去 攻克我不熟悉的語言。」他說。 莫氏肖像，時年三十 |《獨裁君主斯拉》寫

"將死之物，蓋棺論定。" "在全球性的藝術話語權轉移之下，藝術文字的重心向策展文字逐漸傾斜，藝評的危機近年的多份重量級藝術期刊也有討論，並有史學回顧的傾向。" "若藝術評論不被認為處於危機之中，甚至存在著共識，這時才真該令人擔心。” — 派翠西亞．畢克斯《藝術評論的終結》 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer 在香港，藝評從來都不是主流媒體的產物，它不時來自於藝術參與者的興致所致，又隨時邀請著每一位讀者的參與。時而出現在文化副刊，又出現在藝術生態的自資刊物、網上平台。 題「最後一代藝評人」也許略有誇張，但旨在強調藝評的全球性式微及勾起憂患意識。波利的新作《世界藝評史》此時此刻回首重看藝評史正合時宜，藝評在重新尋找時代定位的時候，我們再次翻閱歷史，了解藝評在過往於藝術的重要角色。 藝評人波利 | 全書避免過渡的線性歷史觀，而是綜合世界不同文化的藝術評論歷史作對照綜論。 當我們重新回顧藝評史，可以發現藝評往往發揮著改變整個藝術動向的作用，早期

珍寶、詩文與信仰在《交匯》裡往來穿行；而把 「物件在流動、風格在互譯」 這一命題推到極致的，其實不在 ACM 的展廳，而在相隔不過一段步程的另一座館：土生文化館(Peranakan Museum)。它是 ACM 屬下的一個部門，同屬國家文物局，由Clement Onn 執掌，獨佔一棟建於 1912 年的道南學堂舊址；ACM 四大策展主題中的「土生文化」，在這裡鋪展成整整一棟樓。而所謂 「土生」(Peranakan)，說的正是南來移民在港市落地生根、與在地傳統通婚交融所誕下的後代。某種意義上，土生華人本身，就是《交匯》裡那些跨文化器物的「人」的版本，是最活生生的一個註腳。 媒體團到了新加坡做了實地兩天一夜的採訪 | 從玉杯到孔雀：姊妹館的迴響 眼下，這座館正上演一場與《交匯》遙相呼應的展覽：《孔雀力量：跨文化的美與象徵》(Peacock Power：Beauty and Symbolism Across Cultures，展至 2026 年 8 月)。它追問的是同一類問題：一個母題如何在文化之間輾轉旅行，只是把對象從器物換成了一隻鳥；策展人

今年夏天，近百位來自亞洲各地的青年音樂家再次聚首香港，展開亞洲青年管弦樂團（Asian Youth Orchestra，AYO）一年一度的排練與巡演計劃。成立於1990年的亞洲青年管弦樂團被譽為世界最優秀的青年樂團之一，三十多年來，這個以香港為基地的國際文化交流平台，培育出無數活躍於世界舞台的音樂家，也讓來自亞洲各地的青年透過共同生活、排練與巡演，建立超越國界的友誼。 在這段旅程中，法瑞裔指揮約瑟 · 巴斯蒂安（Joseph Bastian，下稱Joseph）是重要的同行者。作為歐洲樂壇備受矚目的新生代指揮，Joseph活躍於德國、法國及歐洲各大交響樂團與歌劇院。自2020年起，他已連續六年擔任AYO首席指揮，每年夏天來到香港，帶領AYO展開為期六星期的排練與巡演，扶持亞洲青年音樂家的成長之路。在訪談中，Joseph不只談論音樂，更分享了他對合作、教育與希望的理解。「這個計劃給我最大的感受，是希望。」當全球局勢愈來愈複雜，文化差異、地緣政治與社會分裂成為社會無法迴避的課題，Joseph依然相信，音樂擁有一種獨特力量，讓原本陌生的大家，找到共同的語

每次在羅卡角凝視紀念碑上的賈梅士（Luís de Camões）名句「陸止於此，海始於斯」 ，都喚起我去感受人與世界的「間隙」。人類學家列維-斯特勞（Claude Lévi-Strauss)斯曾言：「人是思維的間隙。」人不是萬物的中心，而是萬物之間那道「無人稱的思維」的間隙。東西方的哲人們都認為，真理與意義並非只在實體之中，更存在於實體之間的空隙裡。 當我們站在「愛情島」的入口，是梁潔雯長達四米、高逾一米八的絹本巨制的史詩式工筆畫《愛的遺憾》。該作品靈感來自賈梅士在一次海難中拯救了手稿但救不了他愛人的悲壯情景，畫上洶湧的海浪中散落的詩稿文字並非指向某一次海難或某一段傳奇，而是藝術家從賈梅士的不同詩集中選出的、關於愛與遺憾的切面。 《愛的遺憾》 | 從繪畫技法到哲學層面，工筆畫都被認為是一種不斷開拓「間隙」的繪畫類別。 梁潔雯的《愛的遺憾》，直面一個後觀念藝術時代最核心的命題：跨國性創傷的視覺再現如何抵達種種可能？賈梅士在怒濤中緊握手稿卻鬆開愛人手指的姿態，構成了一個完美的「症候圖像」（image-symptôme，喬治．迪迪-于貝爾曼語）

每個成功的藝術家心裏或多或少存在著一份衝動，是坐言起行的決心。無論是青澀少年時的莽撞，還是成熟穩重時的思考，那份創作的直覺總會常存於心，造就了無可取替的獨特性。作為一個堪比「傳奇」藝團的藝術總監鄭宗龍，不斷的嘗試似乎是其帶領雲門舞集的致勝之道。「創作來自於我躁動的內在」，從生活中觀察，打開感官，正正是好奇讓他創作出多齣令人津津樂道的優秀舞作。睽違七年，今年七月雲門將為本港觀眾帶來長篇作品《毛月亮》。就讓我們從文字中穿梭，且看鄭宗龍如何開創屬於雲門的嶄新紀元。 每個「起心動念」的嘗試 開啟新篇章的首要步驟毫無疑問是回歸身體本質，就《毛月亮》而言，「起心動念」似乎成為了創作的關鍵。舞者從小接受如芭蕾、武術等規範化訓練，對鄭宗龍來說，這些風格便於分類，卻也成了某種限制。「做《毛月亮》時，我總覺得能不能拋開這些規矩，回到更原始的起點？類似一種『野蠻』——恐懼時會後退，嚮往時想前進。我想找的正是這種跟感受產生連結的動作，看看它有沒有可能被編成一支舞。創作期間其實是糊裡糊塗的，我們以直覺回應命題跟感受，然後才慢慢整理。」他渴望舞者呈現一種像『野獸』的身體

「自己評論自己，實在有些不好意思。」當被問到，如果要用比較生活化的方式來介紹自己，常陵先是這樣回答。這是一個很常陵式的開場，沒有立即把自己推上藝術家的高台，也沒有急著用某種漂亮的語言為自己定義。對他而言，創作佔據生命中絕大部分，扣掉那些「創作」，所謂的自己似乎也所剩無多了。「普通的人罷了。」他緩緩地說。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer | 普通的人，與創作之外所剩無多的自己 我喜歡這種有點帶著距離看待自己的回答。因為在許多時候，藝術家談論自己時，總會不自覺地進入某種姿態：像是燈已經打下來，觀眾也坐好了，台上的人必須開始說出一個最完整、迷人、最好還能被引用的論述。但常陵的回答像是把燈稍微關掉一點，讓人看到舞台布幕後面仍然站著一個普通的人。那個人可能有點不好意思，卻也正是因為這樣，反而更接近創作還沒完全變成展覽、還沒被整理成論述以前的最真實的樣子。 《假如故鄉——常陵個展》於異雲書屋青田館展出，這是異雲書屋自 2024

現正在香港藝術館展出的《園美生活：中外園林藝術》著實令人困惑，這個展覽到底想說甚麼？館員實在需要上一節藝術史課。 當然，這不是一個缺少名作的展覽。相反，它的陣容非常漂亮：故宮博物院、芝加哥藝術博物館、凡爾賽宮與香港藝術館的藏品被放在同一展覽裡，有中國宮廷園林、文人山水、歐洲貴族生活、莫內的花園，也有吳冠中、張大千等現代藝術家的作品。單獨看，是很難得的借展，可是問題恰恰出在這裡：好東西被放在一起，並不自動變成一個好展覽。 描金琺瑯彩花鳥明頓花盆一對 1874 陶瓷 各 高26.1厘米 徑21.6厘米 芝加哥藝術博物館藏品 | 好東西被放在一起並不自動變成一個好展覽 藝術史最基本的邏輯之一，是比較。把兩件作品放在一起，不是因為它們「都畫了花」「都有水」「都和園林有關」，而是因為它們之間存在可以被分析的關係。它們可能在形式上互相呼應，可能在歷史上有傳播關係，也可能呈現同一個主題在不同文化語境中的變化。 就像在動物園裡看大象：這邊是亞洲象，那邊是非洲象。它告訴你，它們都很大，都珍貴，都值得看。可是看完之後，你仍然不知道為甚麼它們必須在這裡

「我總是不停地，每當完成一幅畫，我就會想：『好，我得試試這個。』我總是想嘗試一些我從未用過的色調。」—— Alexander James（亞歷山大·詹姆斯） 走進西九文化區管理局大樓底層，就在M+博物館對面的富藝斯拍賣公司畫廊（Phillips Auction），現正展出英國藝術家Alexander James（亞歷山大·詹姆斯）的亞洲首次個展。這位獲國際藝術市場與收藏界高度評價，被視為當代最引人注目的青年藝術家之一。Alexander與傳統冷靜的幾何抽象畫作不同，他的作品有強烈的情緒重量，與精準的理性控制。渾沌的色彩建構了濃厚的底蘊，如似法蘭西斯˙培根的隨性；交錯的色彩配置又如探戈的繾綣試探，在冷冽與熾熱間踩踏出弔詭的節奏。 他說：「我每日的清晨起來，視心情來決定畫面的色彩。我認為色彩是這些作品中非常重要的一部分。總的來說，我覺得我的畫作某種程度上反映了日常生活。每天你都會有不同的感受和情緒。你可能一覺醒來感到開心，也可能感到悲傷，或是憤怒，這些情緒都會融入作品的背景之中。」 Alexander James, Slowly Dissol

臺灣作家楊双子的歷史小說《臺灣漫遊錄》（英文版名：Taiwan Travelogue），由台裔美籍譯者金翎（Lin King）翻譯，於5月20日宣布的2026 年英國國際布克獎（International Booker Prize）獲獎。 正如每個來到這裡的旅客為之念念不忘的是臺灣美食，《臺灣漫遊錄》故事緊扣臺灣鐵道沿線的經典料理（如麻薏湯、肉臊、菜尾湯、米篩目等），藉由品嚐美食展現當時臺灣多元族群（漢人、原民、日本內地）的飲食文化交融，並帶出雙方的身世背景與階級差異。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer 2020年出版的《臺灣漫遊錄》敘述1938年日本殖民統治下的臺灣。故事以「虛構譯作」為框架，描繪日本作家「青山千鶴子」應邀來臺，與臺灣女翻譯家「王千鶴」結伴展開縱貫鐵道美食之旅。全書透過細膩的飲食書寫，交織殖民者與被殖民者間複雜的國族認同，以及兩位女性跨越階級與文化的情愫。日本知識份子「青山千鶴子」與臺灣在地仕女「王千鶴」的視

2026年4月17、18日，香港文化中心音樂廳，指揮家彭家鵬將首度執棒香港中樂團，呈獻劉文金《茉莉花》、關廼忠《第四交響樂》與劉長遠《第五中國交響樂—光明》（香港首演）三部交響力作。這是一場當代民族管弦樂兩大「引擎」的歷史性握手——彭家鵬帶著蘇州的精緻氣韻，與紮根東方之珠、融匯中西的香港中樂團碰撞出的藝術火花，值得每一位愛樂者期待。 彭家鵬曾是國際指揮台上的寵兒，被西方媒體比作小澤征爾與穆蒂。其後轉投民族管弦樂的天地，深入骨髓地研究各種民族器樂的氣息與韻腔、乃至中國書法藝術的抑揚挫頓，從而滋養其對中國民族管弦樂的詮釋與理解。而香港中樂團在閻惠昌的帶領下，早已是民族音樂革新的發動機。他們開發環保胡琴、跨界各種媒體，證明傳統不是用作奉養，而是生長的泉源。樂團拉弦「潤」，彈撥「透」，吹管「亮」的獨特音色，對演繹當代作品有著天然優勢。常年演奏委約新作，令他們對複雜節奏、現代和聲經驗豐富——這種「新作品免疫力」將在《光明》音樂會中發揮重要的關鍵作用。 | 三首丈量中國民族管弦樂縱深的樂曲 劉文金《茉莉花》：雙重性格的東方女性 |...

2025年，香港城市當代舞蹈團（CCDC）迎來新一任藝術總監桑吉加。出生於甘肅藏區的桑吉加（桑巴）是一位在舞團內部創作近十年的編舞者。2026舞季之際，桑吉加與《藝術地圖》談及最初與CCDC的緣分，從舞者到編舞，再到如今作為藝術總監的思考與策略。 CCDC是桑吉加在香港的起點。1992年他被現代舞大師曹誠淵在廣東建立的中國首個專業現代舞團——廣東實驗現代舞團所吸引，決定了將來要以現代舞作為職業方向，1999年順勢作為舞者加入曹誠淵創辦的CCDC。CCDC之後到歐洲學習當代舞蹈，2006年從德國回來後卻決定不再做舞者，只專注編舞。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer 2015年在曹誠淵的邀請下，桑吉加回到CCDC擔任駐團編舞。當時舞團正面臨創作世代的更新：長期駐團編舞黎海寧退休，新的創作方向尚未完全確立。對於已在歐洲與內地長期工作的桑吉加而言，香港並不是一個需要重新適應的城市，而更像是一個允許創作者重新調整節奏的中途站。「做藝

2026年威尼斯雙年展台灣館由北美館策劃，推出展覽「鬱卒的平面：李亦凡」，將於5月7日在義大利威尼斯普里奇歐尼宮開幕。這不僅是一檔個展的國際呈現，更是一個關於當代感知狀態的提問：「當我們幾乎所有的經驗都以螢幕作為開端時，『鬱卒』是否已不再只是情緒，而是一種結構性的觀看條件？」 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情：https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer 由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動，並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。今日（31日）於北美館舉辦行前記者會，代表參展藝術家李亦凡、策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael Fonseca）及北美館團隊一同揭開即將於全球藝術盛會發表的全新影像創作！ 李亦凡，《鬱卒的平面》(影像截圖)，202

黃金比例，是一種試圖馴服身體、消除差異、規整邊界的權力運作。澳門牛房倉庫即日起至4月19日舉辦的《黃金比例——澳門交流展》，由趙歡、黃詠思合力策劃。衝著社會所推崇的「黃金比例」，展覽從標準化審美的符號切入，檢視父權導向的視覺規訓如何物化女性身體。邀請來自內地與澳門的十位女性藝術家，透過錄像、繪畫、攝影、裝置與表演等多元媒介，呈現內在情感、個人經歷與獨特觀點，並挑戰傳統性別角色與社會期望。 ✍️加入我們「大評論家計畫」，詳情： https://www.artmap.com.hk/main-page-junior-art-reviewer | 中國社會觀念的回潮與倒退 趙歡分析了過去五十年中國社會狀況，尤其支撐個體生存的社會與家庭結構，指出當前環境的倒退。1970至80年代，社會福利（如單位托兒所、子弟校）與大家族結構共同「托舉」生兒育女的責任。到1990年代後，市場經濟轉型導致「男主外、女主內」的觀念回潮與倒退。中國婚姻法對女性極其不利，一旦進入婚姻，女性往往面臨「上船容易下船難」的困境（即使面對家暴亦難以離婚）。近年中國推行三胎政策後，企

專訪｜空間、田野與機構流動：李玉玲館長的「雙館」實踐與亞洲當代藝術的去中心化敘事 「空間」從來不只是展示藝術的容器，更是機構意識形態的具象化。從親身參與臺北市立美術館 90年代快速國際接軌的歷程，到重新定位高雄市立美術館的「大南方」新座標，李玉玲館長的職業軌跡，宛如一部臺灣當代美術館進化的縮影。身為紐約大學（NYU IFA）藝術史博士，她不僅擁有嚴謹的學術基石，長期致力於解構美術館內匿藏於空間的權力層級，更具備在體制邊界上揮刀改革的實務膽識。 如今，她跨出公立體系，接掌由安藤忠雄操刀的「亞美館」，並同時籌備 Frank Gehry 在亞洲的絕世遺作「中醫大美術館」。在這場跨越臺中南北、連結醫學與藝術的「雙館」實踐中，李玉玲再次展現了她「以軟帶硬」的治館哲學—她拆除的不只是美術館內僵化的白牆，更是傳統機構對藝術與社會的隔離。通過此次專訪，我們透過她的視野，進一步了解美術館不再是收藏普世知識的封閉殿堂，而是引領觀者在光影與建築的交織中，重啟對生命本質的深層對話 。 李玉玲館長本人照片 ✍️ 加入我們「大評論家計畫」，詳情：...